PAISAJISTA INGLES

Édouard Manet
Si hay un autor clave entre los precursores del movimiento impresionista, éste es Édouard Manet. Dos trabajos son esenciales en la comprensión de su influencia sobre el grupo.

En su Desayuno sobre la hierba Manet presenta un bodegón. Pese a que las figuras representadas son humanas, el autor trabaja el cuadro como si fuera una naturaleza muerta. Esto se evidencia por la ausencia de conexión de unos personajes con otros, tres personajes van vestidos mientras que el cuarto está desnudo; las miradas nunca se encuentran aunque haya un personaje hablando y la disposición en primer (cesta y comida), segundo (grupo) y tercer término (mujer en el agua) es meramente compositiva. Este trabajo influenciará a los impresionistas en la desatención del modelo y de la narración.

Por otra parte El bar del Folies-Bergère evidenciará el deseo de tratar los fenómenos lumínicos al introducir un espejo al fondo que refleja toda la profundidad de la sala y las grandes lámparas de araña, iluminación artificial que crea una luz difusa y menos directa y, por tanto, más difícil de pintar, recordándonos a las escenas festivas de Renoir.

IMPRESIONISMO

Aunque el término Impresionismo se aplica en diferentes artes como música y literatura, su vertiente más conocida, y aquélla que fue la precursora, es la pintura impresionista. El movimiento plástico impresionista se desarrolló a partir de la segunda mitad del siglo XIX en Europa —principalmente en Francia— caracterizado, a grandes rasgos, por el intento de plasmar la luz (la «impresión» visual) y el instante, sin reparar en la identidad de aquello que la proyectaba. Es decir, si sus antecesores pintaban formas con identidad, los impresionistas pintarán el momento de luz, más allá de las formas que subyacen bajo éste. El movimiento fue bautizado por la crítica como Impresionismo con ironía y escepticismo respecto al cuadro de Monet Impresión: sol naciente. Siendo diametralmente opuesto a la pintura metafísica, su importancia es clave en el desarrollo del arte posterior, especialmente del postimpresionismo y las vanguardias.
HISTORIA
Inicios
Con anterioridad al Impresionismo, el marco artístico, era dominado por un eclecticismo, al que respondió la generación de las rupturas estilísticas, una serie de rupturas que darán personalidad propia al arte moderno. La primera de ellas o, si se prefiere, su preámbulo, es el Impresionismo, un movimiento, resultado de una prolongada evolución, que coloca definitivamente al siglo XIX bajo el signo del paisaje y que busca un lenguaje nuevo basado en un naturalismo extremo.

Tiende a usar con creciente frecuencia colores puros y sin mezcla, sobre todo los tres colores primarios y sus complementarios, y a prescindir de negros, pardos y tonos terrosos. Aprendieron también a manejar la pintura más libre y sueltamente, sin tratar de ocultar sus pinceladas fragmentadas y la luz se fue convirtiendo en el gran factor unificador de la figura y el paisaje.
Florecimiento y primera exposición
El año 1873 marcará un giro característico del Impresionismo: el paso de la fase preparatoria a la fase de florecimiento. Los tanteos estaban olvidados y el trabajo adelantado. Pisarro y Monet habían hecho en Londres estudios de edificios envueltos en nieblas; Alfred Sisley, aún más vaporoso, se les había adelantado por ese camino; Renoir se hallaba, de momento, bajo la total influencia de Monet; y Edgar Degas empezaba a tratar los tutús de sus bailarinas del mismo modo que Monet o Renoir las flores del campo.

Todos los impresionistas, incluyendo a Berthe Morisot, eran ya conscientes de formar un grupo y de tener iguales objetivos que defender. Su primera aparición pública como tal se estaba fraguando. A fin de pesar más a los ojos del público intentaron atraerse a otros artistas y fundaron una Sociedad anónima de pintores, escultores y grabadores que, por fin, en 1874, logró organizar una muestra en los salones del fotógrafo Nadar. En total participaron treinta y nueve pintores con más de ciento sesenta y cinco obras de las que diez eran de Degas, la mayor aportación individual del grupo, y entre las que estaba la ya legendaria Impresión: sol naciente de Monet que, burlonamente citada por un crítico, dio nombre al grupo.

La difusión
El Impresionismo se difunde en toda Europa (entre otras cosas gracias a la facilidad con la que se podía ejecutar una obra, muchos impresionistas conseguían realizar una pintura en unos 15 minutos).

Realismo

El realismo nace del cansancio del romanticismo entre los nuevos artistas, que tratan de incorporar las expresiones mas objetivas y directas en sus obras, este proceso fu gradual y rápido pues estas dos etapas son continuas, se establece una relación directa entre el realismo y el academicismo ya que la pintura académica toma mas atención hacia la atención directa a la naturaleza y la realidad del momento.

Características.

• Los temas que se representaban eran muchas veces eran los problemas sociales causados por la industrialización.


• Se centran en el tema social


• No representan personajes mitológicos, los trabaja dores y las acciones cotidianas son apreciadas en los cuadros

Romanticismo 1815 - 1848

Hechos importantes
Jornadas revolucionarias de 1830 y 1848

Emancipacion del individuo
Virtuosismo y maxima posicion
Lider y paladin de los debiles
Por eso florece la autobiografia, confesiones, memorias.

Caracteristicas

Escapismo:
-Historia o epocas pasadas.
-Geografico nacionalista o otras localidades pero siempre exoticas o primitivas.
-Literatura, leyendas.
Retorno a la naturaleza por lo menos a traves de la lectura o la pintuta.
Ealtacion de la sensibilidad, la pasion.
Gusto por lo extraño, macabro, deformado.
Lebertad en la composicion.
Pintura predominio del color sobre el dibujo.

Escritores
Goethe: fausto, Walter Scott: Ivanhoe, Stendhal : rojo y negro, Lord Byron: Don Juan (basado en el Burlador de sevilla de Tirso de Molina - XVII), Percy B. Shelley, Jhon Keats, Balzac, Dumas: Los tres mosqueteros, el Conde de Montecrsito, Victor Hugo: El jorobado de nuestra señora de Paris, Los Miserables, Prosper Merimee: Carmen, Jorge Sand.

Musicos
Weber, Paganini, Berhoz, Shubert, Mendelson, Shumann, Chopin : mazurcas polacas, Liszt: Rapsodias Hungaras, Brahms, Bize: Carmen, Wagner: Tristan e Isolde, el anillo de los nibelungos, Verdi: Nabucodonosor.

Neoclasicismo

Se da mediados del siglo XVIII y comienzos del XIX

Estilo internacional que se inicia en Italia pero se extiende a todo el mundo y tiene gran importancia en U.S.A.

Estilo que abarca varias disciplinas: arquitectura, pintura, escultura y artes menores como muebleria, la vestimenta, hasta la etiqueta social.

Arte oposicion al Barroco y al Rococo.

Arte que expresa los ideales de la revolucion.

Impulsado por los descubrimientos de Pompeya y Paestum.

Importancia de la Academia, con apoyo del Estado, como impulsor del arte oficial.

Caracteristicas formales y tematicas de la pintura neoclasica:

Predominio de la quietud frente al movimiento.

Luz uniformemente difundida.

Predominio del dibujo.

Importancia de la figura humana como eje tematico.

Se busca lo bello ideal y no lo real.

El twma historico aparece con fuerza, sobre todo de la atigua Roma o los hechos recientes como testimonios de una epoca.

La Maja Desnuda

Esta es una de las obras mas celebres de Francisco de Goya en 1800, en ella se ve a una mujer desnuda de cuerpo entero, recostada placidamente en su lecho , mirando fijamente al observador. Los colores fuertes y definidos , la luminosidad que bala todo el cuerpo de la mujer se contraste con lo oscuro del fondo .
La mujer que sirvió como modelo para esta pintura es la Duquesa de Alba un que aun no se puede asegurar al cien por ciento todas las investigaciones aputan a que ella fue la modelo de Goya. Esta obra causo gran conmoción en su época al ser considerada inmoral, estuvo escondida por Fernando VII luego fue secuestrada por la inquisición. Ahora la obra se encuentra en el Museo del Prado.

EL Neoclascismo en America

En América el Neoclasicismo defiendo los sentemos antes de la razón. En 1830 casi la totalidad de los países habían logrado su independizacion, esto hizo que se consolidaran es así que este movimiento se desarrolla en América en la primera mitad del siglo XIX aproximadamente entre 1845 y 1890, en este contexto se iniciaron a establecer estructuras políticas, económicas, sociales y culturales de acuerdo a la nueva etapa que se estaba viviendo.

Sin duda las expresiones del Neoclasicismo en América, se dieron mas en la literatura, la poesia,

la narrativa, el teatro, en la pintura y la escultura se tenían representaciones traídas de Europa pes aun no se desarrollaba un estilo muy claro .

Musica Neoclasica

Durante el periodo de vigencia del Rococo, destacaron en Francia dos figuras importantes: Jean Philippe Rameau (1683 - 1764), que compuso importantes obras instrumentales (aunque su principal aportacion la hizo en operas como Castor y Pollux), y Francois Couperin (1668 - 1733), que realizo sus mejores obras para el clavecin.

El aleman Christoph Gluck (1714 - 1787)
Significo el transito al neoclasicismo. Reformo la ópera dando gran importancia al libreto dramatico y destacando el papel de la orquesta (Ifigenia en Aulide, Armide).

Joshep Haydn (1732 - 1809)
Es considerado el padre de la sinfonia, porque elevo esta forma a protagonista de la musica clasica, haciendo intervenir en ella a toda la plantilla instrumental y dividiendola en cuatro movimientos constrastados. Tambien le corresponde la gloria de haber fundado el cuarteto de cuerdas. Sus obras mas famosas son sus sinfonias La Chase (n.° 73), La Poule (n.° 83) y la Oxford (n.° 92).

Wolfgang Amadeus Mozart (1756 - 1791)
Es el otro gran genio del clasicismo y uno de los mayores de todos los tiempos. Nacio el Salzburgo. Niño prodigio, a los cuatro años tocaba el piano y a los cinco compuso su primera obra. Pese a su temprana muerte llego a escribir cerca de ochocientas composiciones.
En sus obras, la melodia toma una gran importancia, se hace enormemente regular en su ritmica y se realza con claridad y belleza.
De sus cuarenta y una sinfonias, las mas famosas son las tres ultimas. Igualmente importantes son sus conciertos, como el de La Coronacion o el Concierto para clarinete y orquesta.
En la opera es el creador de un propio estilo, llevandolo a la perfeccion en La Flautta Magica y el Don Juan. En su obra vocal tambien hay que destacar su Misa de la Coronacion y su Requiem.

ARQUITECTURA NEOCLASICA

La arquitectura puede ser analizada como una rama de las artes social y moral; La Enciclopedia le atribuyó la capacidad de influir en el pensamiento y en las costumbres de los hombres. Proliferan así las construcciones que pueden contribuir a mejorar la vida humana como hospitales, bibliotecas, museos, teatros, parques, etc., pensadas con carácter monumental. Esta nueva orientación hizo que se rechazara la última arquitectura barroca y se volvieran los ojos hacia el pasado a la búsqueda de un modelo arquitectónico de validez universal.

...Nacen movimientos de crítica que propugnan la necesidad de la funcionalidad y la supresión del ornato en los edificios. Francesco Milizia (1725-1798) en Principi di Architettura Civile (1781) extendió desde Italia las concepciones rigoristas a toda Europa. Mientras, en Francia, el abate Marc-Antoine Laugier (1713-1769) propugna en sus obras Essai sur l'Architecture (1752) y Observations sur l'Architecture (1765) la necesidad de crear un edificio en el cual todas sus partes tuvieran una función esencial y práctica y en el que los órdenes arquitectónicos fueran elementos constructivos y no sólo decorativos, todo ello para hacer una arquitectura verdadera: la construida con lógica.

Todos los arquitectos parten de unos supuestos comunes como son la racionalidad en las construcciones y la vuelta al pasado. Los modelos de los edificios de Grecia y Roma e incluso de Egipto y Asia Menor se convierten en referentes que todos emplean aunque desde puntos de vista distintos.

Los modelos greco-romanos dieron lugar a una arquitectura monumental que reproduce frecuentemente el templo clásico para darle un nuevo sentido en la sociedad civil. El perfil de los Propileos de Atenas le sirvió al alemán Carl Gotthard Langhans para configurar su Puerta de Brandeburgo en Berlín (1789 a 1791),[1] un tipo muy repetido como atestigua la entrada al Downing College de Cambridge (1806) obra del inglés William Wilkins o la posterior Gliptoteca de Múnich de Leo von Klenze.[2]

También el inglés James Stuart (1713-1788), un arquitecto arqueólogo al que se ha llamado el Ateniense, en su monumento a Lisícrates en Staffordshire, reprodujo el monumento corágico a Lisícrates de Atenas. Los hermanos Adam extendieron por toda Inglaterra un modelo decorativo para interiores con temas sacados de la arqueología; una de sus obras más representativas es Osterley Park, con una notable estancia etrusca y un clásico hall de entrada (1775-80).

Italia prefirió recrear sus modelos antiguos ya bien avanzado el siglo XVIII y en los comienzos del siglo XIX. El modelo del Panteón de Agripa en Roma se repite en un gran número de templos, como el de la Gran Madre de Dio en Turín y San Francisco de Paula en Nápoles, ambos terminados en 1831, que reproducen el pórtico octástilo y el volumen cilíndrico del Panteón.

Otros arquitectos, los llamados utópicos, revolucionarios o visionarios, plantearon edificios basados en las formas geométricas. No despreciaron la herencia del pasado clásico y, aunque respetaron las normas de simetría y la monumentalidad, sus edificios son a veces el resultado de la combinación caprichosa de las formas geométricas. Étienne-Louis Boullée (1728-1799) y Claude-Nicolas Ledoux (1736-1806) encabezaron esta postura; entre la gran cantidad de proyectos no construidos merece la pena mencionar el Cenotafio para Isaac Newton concebido por Boullée como una esfera, representación del modelo ideal, levantada sobre una base circular que había de cobijar el sarcófago del científico. Ledoux ha dejado edificios construidos, entre ellos una parte de la utópica ciudad industrial de las Salinas de Arc-et-Senans, de planta circular en el Franco Condado o el conjunto de la Villette en París.

...Entre uno y otro grupos aparece una tercera categoría, la arquitectura pintoresca, a partir de la creación de jardines ingleses en el siglo XVIII, ordenados de forma natural lejos del geometrismo del jardín francés. En esta arquitectura se valora la combinación de la naturaleza con lo arquitectónico, la inclusión en el paisaje natural de edificios que remedan las construcciones chinas, indias o medievales. Este juego de formas caprichosas y el aprovechamiento de la luz buscan suscitar sensaciones en el espectador. Horace Walpole (1717-1797) construyó en Londres (Inglaterra), Strawberry Hill (1753-1756) una fantasía gótica de la que su autor dijo que le había inspirado para escribir una novela gótica, una expresión del efecto inspirador de la arquitectura. También William Chambers (1723-1796) creó un conjunto pintoresco en los Jardines de Kew (Londres) (1757-1763) con la inclusión de una pagoda china que reflejaba su conocimiento de las arquitecturas orientales.

NEOCLASICISMO

El término Neoclasicismo surgió en el siglo XVIII para denominar de forma peyorativa al movimiento estético que venía a reflejar en las artes, los principios intelectuales de la Ilustración que desde mediados del siglo XVIII, se venía produciendo en la filosofía y que consecuentemente se había transmitido a todos los ámbitos de la cultura. Sin embargo después de la caída de Napoleón los artistas no tardaron en cambiar sus ideas hacia el Romanticismo y el Neoclasicismo fue dejado.
Orígenes
Con el deseo de recuperar las huellas del pasado se pusieron en marcha expediciones para conocer las obras antiguas en sus lugares de origen. La que en 1749 emprendió desde Francia el arquitecto Jacques-Germain Soufflot, dio lugar a la publicación en 1754 de las Observations sur les antiquités de la ville d'Herculaneum, una referencia imprescindible para la formación de los artistas neoclásicos franceses. En Inglaterra la Society of Dilettanti (Sociedad de Amateurs) subvencionó campañas arqueológicas para conocer las ruinas griegas y romanas. De estas expediciones nacieron libros como las Antigüedades de Herculano (1757-1792) financiada por el Rey de Nápoles (luego Carlos III de España), que sirvieron de fuente de inspiración para los artistas de esta época.

También hay que valorar el papel que desempeñó Roma como lugar de cita para viajeros y artistas de toda Europa e incluso de América. En la ciudad se visitaban las ruinas, se intercambiaban ideas y cada uno iba adquiriendo un bagaje cultural que llevaría de vuelta a su tierra de origen. Allí surgió en 1690 la llamada Academia de la Arcadia o Arcades de Roma, que con sus numerosas sucursales o coloniae por toda Italia y su apuesta por el equilibrio de los modelos clásicos y la claridad y la sencillez impulsó la estética neoclásica.

La villa romana se convirtió en un centro de peregrinaje donde viajeros, críticos, artistas y eruditos acudían con la intención de ilustrarse en su arquitectura clásica. Entre ellos estaba el prusiano Joachim Winckelmann (1717-1768), un entusiasta admirador de la cultura griega y un detractor del rococó francés; su obra Historia del Arte en la Antigüedad (1764) es una sistematización de los conocimientos artísticos desde la antigüedad a los romanos.


...En Roma también trabajaba Giovanni Battista Piranesi (1720-1778); en sus grabados, como Antichitá romana (1756) o Las cárceles inventadas (1745-1760), y transmite una visión diferente de las ruinas con imágenes en las que las proporciones desusadas y los contrastes de luces y sombras buscan impresionar al espectador.

El trabajo está cargado de simbolismo: la figura en el centro representa la verdad rodeada por una luz brillante (el símbolo central de la iluminación). Dos otras figuras a la derecha, la razón y la filosofía, están rasgando el velo que cubre verdad.

La Ilustración representaba el deseo de los filósofos de la época de Razón (filosofía) racionalizar todos los aspectos de la vida y del saber humanos. Vino a sustituir el papel de la religión (como organizadora de la existencia del hombre) por una ética laica que ordenará desde entonces las relaciones humanas y llevará a un concepto deísta de la verdad.

ROCOCO Descripciones Generales

El Rococó es considerado el termino del Barroco y el movimiento que precede al Neoclasicismo , floreció en Francia pero se difundió por toda Europa al adquirir características muy propias, procede del la palabra francesa rocaille que designaba la decoración a base de conchas y piedra.

Las características genere les son:

• La opulencia , la elegancia y el empleo de colores vivos.




• Es un estilo netamente aristocrático.




• No tiene ninguna relación con lo religioso.




• Superficial




• Gran importancia a la decoración no solo de la fachada sino también de los interiores




• Representan temas de la vida diaria aristocrática




• Gusto por las formas ondulantes y en la decoración predominan las conchas en piedra.

Arquitectura: Se caracteriza por la abundante decoración al interior y la fachada se mantuvo simple, se utilizaron para esto falsas rocas adherida a las paredes. las cascadas y conchas fueron los elementos mas representativos, deja de lado el orden de lo clásico y se torna fresco y campestre.

Escultura: Se caracteriza por la mayor dulzura e intimidad de los temas , uno de los mayores representantes fue Andrea Schluter con su obra La efigie encuestre del elector Federico Guillermo

Francois Boucher 1703-1770 ARTE ROCOCÓ

Pintor, grabador y siseñador frances, y uno de los maximos representantes del estilo rococó.

Entre sus obras cabe destacar las de temáticas alegórica y mitológica, como reflejo de la frivolidad y supercialidad de la corte de Luis XV.

Entre su trayectoria artistica sobresale su faceta de decorador de los castillos de Versalles, Fontainebleu...

Diana saliendo del baño 1742

En el siglo XVIII frances las escenas mitologicas eran muy recurrentes tanto en los grandes programas decorativos como en las pinturas de caballete, lo cual reflejaba una concepción frívola y alegre de la vida de aquella epoca.

En este caso de Diana saliendo del baño, episodio muy representado por los pintores del siglo XVIII frances debido al erotismo que podia trasmitir la escen. La dios cazadora y su compañera se disponen a unas actitudes relajadas, coquetas y sensuales, tan solo posibles en la intimidad de un baño. El sentido de la intimidad y la apreciacion de los momentos ludicos, como este, son caracteristicos de la pintura rococó. Las dos jovenes se enmarcan en una naturaleza ídilica, tipica del gusto por lo arcádico y lo pastoral de la sociedad de la epoca.

El tema erótico y lúdico nos revela que estaba destinada a decorar un salon de la alta sociedad francesa.

La suavidad de la piel de las dos mujeres, remarcada por la sedad que la envuelven contrasta con las texturas de las perlas.

El gusto por la naturaleza muerta que ya se habia iniciado con el barroco continuó durante este siglo, los animales que la diosa acaba de cazar como el perro de la misma, estan retratados con un realismo que contrasta con la idealización de los cuerpos de las dos mujeres.

Jean-Antoine Watteu 1684-1721

Pintor francés. Considerado uno de los grandes genios del último barroco francés, se formo con el pintor Guerín y posteriormente en Paris en el taller de Gillot. Tuvo la posibilidad de entrar en contacto con las obras de Giorgione, Rubens y Tiziano, lo que marcó su producción posterior

Watteu- "Peregrinación a la isla de Citerea

La obra se relaciona a menudo con un grabado de Tardiu, simboliza el deseo de la huida de la realidad para cobijarse en el sueño idilico de una mitologia tierra de amor asociada a la isla de Citerea.

La pintura debe analizarse de derecha a izquierda. El punto de partida es un busco clasico de Venus (a la que se consagra Citerea), decorado con unas rosas trepadoras. Unos pareja se halla ante la estatua, mientras la otra se dispone a levantarse para bajar por la ladera que lleva a la embarcación, hacia que tambien otras parejas se dirigen.

Un grupo de amorcillos mariposean miesntras esperan que los amantes trepen a la liviana gondola dorada que se dirige a la isla.


La obra presenta una iluminación tenue, para crear una atmosfera "romantica", aludiendo al horario del atardecer. Los personajes aparecen disfuminados, por lo que nos podemos dar cuenta que el artista no pretende ser tan detallista con cada una de estas figuras que integran la obra, pero si con los otros elementos que aparecen en ella. Los colores que utiliza son de una gama cromática bastante suave, concordando con el tema que desarrolla la obra.

-Los amorcillos, que asoman en la parte

izquierda de la composición, estan

concebidos como manchas de color,

en los que no se distinguen apenas

cuerpo y rostros.

-El niño que estiraba la falda

al personaje femenino en la zona

derecha de la obra, no hace mas

alentar a la mujer para que se rinda

a los encantos del caballero junto a ella

Barroco S. XVII

Se dio un mistizismo, tanto racial como mental, cuando mas se habla del barroco, se nota la exhuberancia en la escultura, se da importancia a las formas circulares, tambien se el arte clasico, pero exagerados y exhuberantes y de gran tamaño.
La primera etapa es mas renacentista, depues se comienza a exagerar. En Italia es mas clasico, en francia hay un clasicismo, su barroco no es muy exhuberante, no hay curvas que si hay en Italia, pero si hay exhuberancia interiormente en lo decorativo.
En la sensibilidad barroca se aprecia una tendencia espectacular hacia lo decorativo, un abandono de las reglas de la estetica clasica, una busqueda de originalidad a toda costa, un predominio de la fantasia sobre a fiel representacion de la realidad, una exploracion minuciosoa de la psicologia humana y un gusto desmerado por la exageracion.
Tradicionalmente se denomina Barroco al peridodo que transcurre desde 1600 a 1750. La especial actitud estilistica que caracteriza el aret barroco alcanzo su momento de madurez en Italia hacia 1630 y se desarrollo e los cuarenta años siguientes. A partir de este momento se difundio por todas las naciones de Europa, adquiriendo particular importancia en España y en las ciudades hispanoamericanas.
El arte barroco jugo un papel importante en los conflictos religiosos de este periodo. Frente a la tendencia protestante a construir los edificios para el culto de una manera sobria y sin decoracion , la iglesia catolica usara para sus fines liturgicos la grandiosidad y la complejidad barrocas. En este sentido se puede afrimar que el Barroco es la expresion estetica de la Contrareforma.

Pintura Barroca

2 zonas

Zona cortesana catolica - Monarquias absolutas, Francia, España, Italia
Zona Protestante - Burgues, Holanda

Estilos
Naturalista
Clasicismo Academico
Barroco decorativo y senual (palacios e iglesias)

Decorativa - Giovanni Batista, El triunfo del nombre de Jesus (1676 - 1679). Iglesia de Gesu, Roma, es como si se abriera el cielo, juego de luces, dorados, imagenes en relieve, buen prespectiva, como si la iglesia siguiera hasta el cielo.

Clasicismo Academico - Poussin, tranquilidad, serenidad, personajes tomados del arte: clasico romano, Et in arcadia ego, la muerte tambien esta presente en lugares hermosos.

Barroco Italiano
Las caractristicas del barroco naturalista es el clarooscuro, la ropa es de la epoca, la composicion diagonal, la manera en que ha dispuesto a los personajes, la mayoria de estas pinturas usan esta composicion.

Caravaggio, el introduce el clarosocuro, no my fuerte de lado y en otro oscuro, cae la luz para acentuar el dramatismo, usa personas comunes y corrientes, eso lo hace mas realista, lo unico que no lo es es en la ropa que no es de la epoca.
- San Mateo y el Angel Casi como un sabio griego, le ponen un angel que le dice lo que escribe, hay clarosocuro, campo diagonal, luz sobre personajes, sensacion de movimiento dada por la diagonal y las lineas curvas.
- Crusifixion de San Pedro Gente de la epoca del autor, clarooscuro, la luz en lso personajes que simboliza la presencia de Dios, composicion diagonal que le da movimiento.

Barroco Holandes
Holanda se separa de la colonia española y justo por esto no hay corte a lo español, esto tambien hace que la Burguesia se levante. lo que resaltan en la pintura es su consecuencia economica y moral social; como ya no existe la aristocracia, los artistas ofrecen sus obras en el mercado; los clientes tenian que consegirse las pinturas en ferias y a los artistas se les reconoce por sus ramas y temas, ya que se especializan en un solo tema, lo que hace que no siempre tengan exito.

Rembrandt (1606 - 1669)
- Retratos corporativos Varias personas que corresponden a una corporacion, generalmente pinta a gremios (guardias, actores, etc) todas las personas pagan por el cuadro, ya que aparece ahi.
Utiliza el clarooscuro, hay cierre escenografia, la luz proviene de los personajes, no tiene la claridad de Caravaggio, la composicion es en zic zac (tipica de holandeses), le dio movimiento, refleja lo que son las personas, no por embellecerlas.
- La leccion de anatomia del profesor Tulp No le interesa respresentar la belleza de estos sino que vean como son realmente, como entrar en sus ojos y ver que piensan.

Franz Halls (1583 - 1666)
Retrata cuadros corporativos y retratos, no es detalloso, respresenta lo que ve, trazos como si fueran manchas.
- El banquete de oficiasles del cuerpo de arqueros de San Jorge Se pierde un poco el clarooscuro, porque hay puntos de luz, pero aun prima lo oscuro.

Vermer
Escenas de interiores, jhogaremos, s casi como el barroco.
- La lechera Composicion a lo diagonal, manera especial en como cae la luz en la ventana y como se difumina en el interior.

Barroco Español
No muestra a la gente bellisima, sino como son, es naturalista usan el tenebrismo, marrones, una gran religiosidad, temas oscuros, dramaticos, suplicias de santos.
- Señor de Jacob Hombre comun y corriente que esta durmiendo y soñando, naturalismo, trabajo dos partes, la tierra y el cielo, composicion en aspa.
- Martirio de San Bartolome Sufre por su fe, cuando lo despellejan, predominan las zonas marrones, composicion en aspa y diagonal, ya que hay gente agachada, parece ser en diagonal, se ve el tono azul y celeste del cielo.

Murillo (pintor de la dulzura)
- Inmaculada concepcion Composicion diagonal, se ve casi una dolescente , una niña, e inspira dulzura y ternura, aun mas con los angelitos.
- La virgen con Santa Rosalia de Palermo Muy tierno, composicion diagonla, se ven ambas facetas de santa rosalia, en lo terrenal y en el cielo, predomina el marron.

Velazquez ( Cotidiano y naturalista)
- Las Meninas Es un juego ya que supone que esta pintando a los reyes reflejados en el espejo de atras, espacio tridimensional entre las meninas, toque de luz de atras una puerta en donde pone a una persona para que no dsitraiga la atencion del foco de luz principal que es la hija del rey, sensacion de luz y degrade, naturalista, escena hogareñña.
-Vieja friendo huevos Toque de luz importante, consigue que la textura de la tela sea diferente, la luz cae en el cuchillo y da una sensacion de que son concretos.

Zurbaran (1597 - 1664)
- Bodegon Da sensacion de dureza, logra la diferencia de texturas, clarooscuro, muy oscuro , consitente.

Zona de Belgica, Flandes
Unida a holanda, se separa un poco y comienza a variar.

Pedro Pablo Rubens
- Retrato de su mujer Preocupado por resaltar la exhuberancia de su mujer, era muy sensual, retrato personal para el, por eos el desnudo (barroco decorativo sensual).
- Las tres gracias Lo que se valora es la llenura, rostros parecidos, llenas de tocado de perlas, los curpos en lineas curvas, sensacion de movimiento muy halagador.

Van Dick
Pintor de la aristocracia Inglesa, el era de la zona de Flandes, dentro del estilo de Rubens.

Arquitectura del Barroco

En esta etapa se abandona la serenidad clásica para representar en las diferentes artes , un mundo en movimiento y la exaltación de sentimientos , en donde se tiende a la exageración y lo sobrecargado.Las características principales de la arquitectura Barroca son:

• Se adoptan las lineas curvas, lo que genera mayor dinamismo y expresividad

• La fachada adquiere mayor importancia, es muy decorada mediante comisas, columnas griegas , romanas.

• Las plantas de los templos se alejan de los modelos clásicos de cruz, en esta etapa se pueden encontrar platas circulares o elípticas.


• La decoración exagerada

• Buscaba revivir la devoción


• Juega con los volúmenes



• Se utiliza mármol coloreado

• Gusto por los contrastes , efecto claroscuro

Se pueden distinguir diferentes etapas:

1580-1630 Barroco temprano
1630-1680 Barroco Maduro

1630- 1750 Barroco Tardío

Uno de sus representantes:

• Gian Lorenzo Bernini : Arquitecto, escultor y pintor italiano, heredero de la fuerza escultórica de Miguel Angel. Fue nombrado arquitecto de la basilica de San Pedro, desde entonces trabajo siempre para la Iglesia

Sus obras mas valoradas son La columnata de San Pedro , la iglesia de San Andrea en la que la escultura y la arquitectura se unen creando un ambiente adecuado para suscitar la fe.

LEONARDO DA VINCI

Artista Florentino y uno de los mas grandes maestros del renacimiento, famoso como pintor, escultor, arquitecto, ingeniero y científico. Su profundo amor por el conocimiento y la investigación fue la clave tanto de su comportamiento artístico como científico. Sus innovaciones en el campo de la pintura determinaron la evolución del arte italiano durante mas de un siglo después de su muerte sus investigaciones científicas sobre todo en las áreas de anatomía, óptica e hidráulica, anticiparon muchos de los avances de la ciencia moderna. Leonardo nació el 15 de abril de 1452 en el pueblo toscano de Vinci, próximo a Florencia. Hijo de un rico notario florentino y de una campesina, a mediados de la década de 1460 la familia se instalo en Florencia, donde Leonardo recibió la mas exquisita educción que esta ciudad, centro artístico e intelectual de Italia, podía ofrecer. Leonardo era elegante, persuasivo en la conversión y un extraordinario músico e imporvisador. Hacia 1466 acude a formarse al taller de Andrea del Verrocchio, figura principal de su época en el campo de la pintura y la escultura. Junto a este, Leonardo se inicia en diversas actividades, desde la pintura de retablos y tablas hasta la elaboración de grandes proyectos escultóricos en mármol y bronce. En 1472 entra a formar parte del gremio de pintores de florencia y en 1476 todavía se le menciona como ayudante de verrocchio, en cuya obra el bautismo de cristo, pinto el angel arrodillado de la izquierda y el paisaje de matices neblinosos. En 1478 leonardo alcanzo su maestría. De 1495 a 1497 trabaja en su obra maestra La Ultima Cena, pintura mural para el refectorio del monasterio de Santa Maria delle Grazie, Milan. .
El retrato mas conocido de toda la historia de la pintura, también conocido como Monna lisa, al identificarse a la modelo con la esposa de Francesco del Giocondo que llevaba ese nombre, aunque se han barajado varias hipótesis sobre su verdadera identidad. Si algo merece destacarse de forma especial es la enigmática sonrisa de la retratada. Parece ser que Leonardo sentía una gran predileccion por esta obra ya que la llevaba consigo en sus viajes.

CUADRO DE LAS CARACTERISTICAS BASICAS DEL RENACIMIENTO

LA TRINIDAD

Es la primera pintura conocida que emplea una perspectiva racional construida correctamente. El efecto de este recurso es espectacular,parece que el espectador mira el interior de una capilla de verdad, como a atraves del agujero de la pared. Massaccio combina dos motivos en este fresco la Santisima Trinidad y la intersección de la Virgen Maria como madre de Cristo y tambien como ser humano. en primer temrino del espacio ficticio estan los donantes, un escalón los mantiene afuera del espacio sagrado. Toda la escena se halla encerrada en un arco de triunfo inspirado en Roma clásica, lo cual es quiza una referencia al triunfo de Cristo sobre la muerte por medio de la crusifixion y su resurreccion.

EL RENACIMIENTO

Renacimiento es el nombre dado al amplio movimiento de revitalizacion cultural que se produjo en Europa Occidental en los siglos XV y XVI, es fruto de la difusión de las ideas del humanismo, que determinaron una nueva concepción del hombre y del mundo.

CARACTERISTICAS:

• Uso racional de la perspectiva
• Profundizacion en la psicologia de los personajes
• Gusto por la naturaleza
• Composiciones armónicas
• Temas: religiosos, mitológicos, históricos
• Uso de variadas técnicas: óleo, fresco, temple

LA PRIMAVERA

Obra pintada en torno a los años 1481-1482. Actualmente se puede apreciar en el museo de los Uffizi en Florencia.

Inspirada en obras literarias, realmente trata de retratar un emblema mitológico del amor platónico.

Existen diferentes teorías del real significado de la obra, hasta hoy en día historiadores y críticos no se muestras totalmente de acuerdo, ya que nos muestra en una solo plano diferentes imagenes que podrían parecer inconexas, pero ligadas por un hilo conductor referente a claves mitológicas de la escuela florentina.

Sin embargo, la interpretación más aceptada es aquella que establece que la escena puede entender a través de dos grupos de figuras que aparecen a ambos lados de Venus(la figura central), dios del Amor y de la Belleza. Encima de Venus podemos observar a Cupido, que con los ojos vendados, dirige una de sus flechas a una de la jóvenes que bailan.

A la derecha de la composición podemos observar a Céfiro, dios del Viento, que persigue a la ninfa-tierra, Cloris. Cuando Céfiro la toca, surgen flores de su boca, transformándose en el siguiente personaje femenino. Se trata de Flora, diosa del Bosque y de las flores.

A la izquierda de la composición, se pueden ver representadas las Tres Gracias: Castitas, Voluptas y Pulchritudo. Al lado de éstas aparece Mercurio, lleva un báculo con el que controla los vientos y las nubes.

Los ligeros y transparentes velos que lucen las Gracias dejan entrever las formas sensuales y femeninas de sus cuerpos.

La diosa Flora nace en primavera, es por eso que la obra se titula así. La transformación de Cloris en Flora corresponde a la fase inicial de la metamorfosis que tiene lugar en el jardín de Venus.

ANALISIS DE "EL NACIMIENTO DE VENUS"

Es una de las obras mas representativas del Renacimento, fue ejecutada al temple sobre lienzo
mide 184.5 centímetros de largo por 285.5 centímetros de ancho.

La mitología griega nos cuenta que Venus nació de la espuma del mar donde se arrojaron los testículos de Urano después de a ver sido cortados por su hijo Cronos, en esta pintura se retrata como Venus arribando a las costas de la isla de Citerea usando como medio de transporte una gran concha que es dirigida a tierra por el viento que sale de la boca de Céfro quien esta acompañado por su esposa, la ninfa de las flores, Cloris.

Venus se presenta desnuda, como llego al mundo, en un actotitud púdico intenta cubrirse con las manos y su largo cabello suelto (símbolo erótico), los senos y la pubis.Su rostro delgado, parecido al de las vírgenes, con los labios cerrados y los ojos claros , expresan una censasen de melancolía y bondad .

Cèfilo y Cloris se encuestan fuertemente abrazados simbolizan do la unión de la materia y el espíritu , a su alrededor cae rosas que cuentan que a su vez se convertirá en seres.
Luego encontramos en la orilla a la diosa de la Primavera , conocida como la estación del renacer, que esta ofreciéndole una capa con motivos florales para cobijarla.

Los ritmos de movimiento son un aspecto resaltante es esta obra, se ve que el viento que soplan los personajes impulsan el compás de las olas . a demás de las suaves lineas que trazan los contornos de las figuras, se ve como conjuga tres elemento s: el agua, el viento y la tierra

LA ULTIMA CENA

Pintura sobre muro, realizada en 1405 - 1497, por Leonardo Da Vinci, utilizo oleo por eso se ve deteriorada, ya que se debeilito la pintura.

Caracteristicas de La Ultima Cena:

- Perspectiva de lugar.

- Perspectiva lineal.

- Angulo de la perspectiva (que conduce a Cristo).

- Cristo es punto de fuga (donde se unen todas las lines).

- Expresion, mirada y actitud de Cristo, mientras que todos estan en movimiento-

- Contraste entre la ventana y Cristo, es justamente para enviar la mirada a Cristo, esta planeado que sea asi.

- Todo es simetrico, seis a cada lado, estos se encuentran en grupos de tres

- Mayor sensacion de las actitudes, lo que se ve mas real, emotividad de escena.

-Sensacion de volumen.

LA GIOCONDA

La Gioconda, conocido tambien como La Mona Lisa, es una obra pictorica de Leonardo Da Vinci. Es un oleo sobre tabla de alamo de 77 x 53 cm, pintado entre 1503 y 1506. La tecnica usada fue el sfumato.

Sfumato: sombreado de los contornos.

Se consigue el efecto de seguimiento en cuanto a los ojos por el efecto de sombreado que Leonardo Da Vinci le dio.

Caracteristicas de la Gioconda:

- No esta definido donde comienza el cabello debido al sobreado

- El sombreado en los ojos crea una mayor suavidad, se logra mayor sensacion de volumen.

- Es equilibrada en sus proporciones.

- El paisaje de fondo no es realista, pero el efecto de las rocas esta bien logrado.

-Reglas en cuanto a la cara, en forma circular, organizando todo en forma circular por eso es tan especial como se cree.

LA ESCOLASTICA

La escolástica es un movimiento teológico y filosófico que intentó utilizar la filosofía grecolatina clásica para comprender la revelación del cristianismo en su ámbito plenamente religioso.

Este tipo de pensamiento se dio básicamente en la época medieval, y se basó en la relación entre fe y razón, que en cualquier caso siempre suponía la sumisión de la razón ante la fe.
Por otro lado, es un método de trabajo intelectual: lo que significaba que todo pensamiento debía someterse al principio de autoridad("lo dijo el maestro"), y la enseñanza se podía limitar al principio de repetición de los textos antiguos, especialmente de la Biblia, vista como la verdadera fuente de conocimiento, ya que representa la Revelación Divina, sin embargo y algo contradictoriamente la escolástica incentivó la especulación y el razona miento.

El máximo representan te de la escolástica fue Tomás de Aquino, en su mayo obra Summa teológica, aceptó el empirismo aristotélico y su teoría hileomórfica, y la distinción entre dos tipos de intelectos. Dios se hace comprensible exclusivamente a través de una doble analogía.

EL ARTE GOTICO

El arte Gótico se inicia en Francia el, en la arquitectura se caracteriza por:

• La verticalidad y


• La distribucion de la luz


• El arco ojival y la bóveda de crucería


• Las vidrieras y lo rosetones

Pero en esta época a diferencia que en el Románico, la escultura y la pintura van tomando independencia, ya no dependen de la arquitectura y se logran grandes avances en estos campos. La pintura es la que mas cambia, la técnica utilizada fue la del temple y el olio ; La escultura logra su liberación del marco arquitectónico alcanzando un mayor naturalismo y expresando sentimientos, reaparecen los retratos y los autores firman sus obras y salen de anonimato .

LA ESCUELA DE SIENA

Siena fue una de las principales ciudades donde se desarrollo la pintura del arte Gótico, siempre fue rival política de Florencia, en la pintura sus principales características fueron:

• De carácter Lírico , con mucha mas expresión


• Vida artística muy corta


• Tendencia a los iconos


• Importancia del color azul

Los pintores mas representativos de esta época fueron:
Duccio y Simone Martini : En sus obras se aprecia la belleza de los vestuarios , el lujo y el aristocratisismo

LA MUJER EN EL ARTE ROMANICO

La representaciòn de la mujer en Arte Romànico fue muchas veces simbòlica, una de la formas que tomaba en la escultura fue la de sirena, que tenìa cara de mujer y cuerpo de ave, muy parecidas a las arpìas.
Representaba la atracciòn a la perdiciòn,signo de engaño que atraìa a los navegantes

ARQUITECTURA ROMANICA

A continuación algunas características más representativas de la arquitectura románica:
• Bóvedas de Piedra, creadas a razón de los continuos incendios que se daban por la madera, antiguo material utilizado para construir las iglesias.
• Bóvedas de cañón semicirculares.
• Estructuras toscas y modestas, las cuales estuvieron inspiradas en las estructuras Bizantinas.
• Las plantas de las iglesias pasaron de tener cinco naves, a tener solo tres, a su vez estas serán mas amplias y elevadas.
• El material utilizado principalmente en las fachadas de las iglesias era la piedra escuadrada no pulida.

ARTE ROMANICO

Antecedentes
Con la caída del imperio romano de Occidente en el siglo X Europa se vio sumergida en una de las épocas más oscuras de su historia. El sistema social, político, el arte, la cultura y la ciencia perdieron la relevancia de siglos anteriores. A su vez los pueblo bárbaros se fortalecieron, lo cual hizo que nacieran otras formas de expresar el arte, nuevos idiomas.
Es importante decir que el nombre “románico” hace alusión a las lenguas romances, las cuales son una rama indoeuropea de lenguas estrechamente relacionadas entre sí y que históricamente aparecieron como evolución del latín vulgar(idioma hablado por el pueblo) denominado de tal manera para distinguirlo del latín clásico el cual era de utilizado exclusivamente por el clero.
El desarrollo del arte románico no fue producto de una sola nacionalidad o región, sin embargo su desarrollo se dio de una forma lenta y desigual, los principales países que tuvieron la influencia de este arte fueron: Italia, Francia, Alemania y España. En cada uno de estos países surgió con características propias.
El arte románico se manifiesta principalmente en la Arquitectura, eso no quiere decir que no existiera escultura, pintura románica, solo que en la arquitectura se podrá apreciar mejor las características de este tipo de arte.
El tema principal del arte románico es el religioso, Europa en aquel entonces ya era cristiana, antes de la caída del imperio Romano. La cristiandad estaba muy arraigada en la cultura de las personas. Y ya que el arte románico se manifiesta principalmente en la arquitectura, serán numerosas las iglesias, y principalmente catedrales que se irán construyendo por todo Europa.

MUSEO DE ARTE DE LIMA

El museo de arte de Lima es un espacio cultural que en los ultimos años ha ido cobrando mayor importancia, en el se pueden ver obras de diferentes periodos y de diferentes artistas. El museo tambien ofrece una gran variedad de talleres relacionados con las artes, ya sea para adultos como para niños.
En la siguiente dirección(pagina oficial del museo pueden encontar mayor informacion)

http://museoarte.perucultural.org.pe/